Il museo Egizio inaugura il suo accesso alle sale espositive raccontando di se, della sua storia e del suo patrimonio culturale.

Siamo orgogliosi di essere stati parte attiva nella progettazione e nella realizzazione di questo nuovo allestimento, importante per il patrimonio culturale della città e di tutta l’umanità.

Evelina Christillin, presidente del Museo Egizio

“Dopo quasi 200 anni di storia il Museo Egizio continua a caratterizzarsi come un’istituzione dinamica e in continuo fermento. Il riallestimento delle sale che introducono la visita con il racconto delle origini di questa collezione, costituisce un’occasione preziosa per riscoprire e approfondire le profonde connessioni tra la storia di questo luogo e quella del territorio che lo ospita, nonché a collocarla all’interno del più generale contesto socio-culturale nazionale e internazionale. Un progetto particolarmente significativo lungo il percorso di avvicinamento al bicentenario del Museo Egizio che celebreremo nel 2024 e per il quale siamo già all’opera per sviluppare un’opportuna concertazione con il Mibact, la Soprintendenza, gli enti del territorio e gli altri soggetti coinvolti”.

Christian Greco, direttore del Museo Egizio

“L’esigenza di intervenire sull’assetto espositivo a meno di cinque anni dal riallestimento della collezione pone le sue basi nella natura stessa di un museo e dell’Egizio in particolare: questo è un luogo vivo, in continuo divenire, che muta e si evolve in virtù dei risultati della ricerca e del suo essere parte attiva della comunità. Cambiare e adeguare sé stessi è quindi una naturale vocazione per un’istituzione come la nostra”.

“Per questo importante progetto la ricerca rappresenta ancora una volta il punto di partenza per la nostra attività espositiva. Grazie al lavoro svolto dai nostri curatori sugli archivi, infatti, il nuovo percorso espositivo sviluppa ed espande la narrazione sulla storia del Museo, con elementi utili a rappresentare il contesto culturale al cui interno si è sviluppata. Tale scelta ha permesso di affiancare alla narrazione principale altre storie, che finora non erano state approfondite all’interno dell’esposizione, che, tra l’altro, contribuiscono a inserire la vicenda torinese nel quadro più complesso della realtà egiziana ed europea”.

Eccoci di nuovo quì a farci gli auguri, quindi: grazie a tutti, (o quasi ;-), per il bel 2019 passato, grazie per tutte le risate, i caffè, le buone parole, le pacche sulle spalle, gli abbracci, i sorrisi, il supporto, gli occhi sgranati, le occhiate di intesa, le prediche costruttive, gli utensili prestati, i consigli gratuiti, la fiducia dimostrata, il calore donato, le mani offerte, le mani ricevute, le corse, i momenti di riposo, il tenere duro insieme ed i mille gesti che fanno del lavorare insieme una buona vita.

Tanti auguri con stima e affetto a tutti

paolo.

Da mediterraneo antico:

Il riconoscimento dell’Osservatorio Innovazione Digitale nei Beni e Attività Culturali del Politecnico di Milano conferito ieri nel capoluogo lombardo: a disposizione della Fondazione una borsa di studio del valore di 12 mila euro.

Giunge da Milano un nuovo riconoscimento all’attività del Museo Egizio, che si è aggiudicato il Premio Gianluca Spina per l’Innovazione Digitale nei Beni e Attività Culturali, promosso dall’Osservatorio Innovazione Digitale nei Beni e Attività Culturali del Politecnico meneghino e rivolto alle istituzioni culturali italiane che abbiano avviato progetti di innovazione digitale particolarmente significativi nei processi interni o nell’offerta al pubblico.

Una grande soddisfazione per tutti noi, vedere riconosciuti i propri sforzi e passioni, oltre che a gratificare, sprona a fare sempre meglio sentendo meno le fatiche

Opening 21 giugno, dalle 19:00 alle 24:00
Binario 1 & 2

Grazie all’inedita e articolata collaborazione avviata tra il Centre d’Art Contemporain di Ginevra e le OGR Torino in occasione dell’edizione 2018 della Biennale, dal 21 giugno al 29 settembre 2019 la Biennale dell’Immagine in Movimento – The Sound of Screens Imploding, per la prima volta in assoluto nella sua lunga esistenza lascia la sua sede storica di Ginevra per trasferirsi a Torino.
Sotto la guida di Andrea Lissoni, Senior Curator della Tate Modern di Londra, e di Andrea Bellini, Direttore del Centre d’Art Contemporain, a Torino viene allestita una differente versione della mostra ginevrina, ripensata per gli spazi delle ex officine di Corso Castelfidardo grazie al supporto di Andreas Angelidakis, già architetto della Biennale di Berlino 2014 e di Documenta 2017.

Partendo dall’idea che l’era della proiezione su schermi stia volgendo al termine per lasciare spazio a nuove e riverberanti realtà, La Biennale dell’Immagine in Movimento – The Sound of Screens Imploding indaga lo stato odierno della video arte e il suo display espositivo, sottolineando il potenziale sperimentale dei nuovi linguaggi e analizzando quelle che sono le peculiarità che li determinano.

L’analisi sull’attualità e sulla politica è messa in scena grazie a una serie di dialoghi tra artisti differenti per poetica e provenienza geografica, ma tutti solidamente radicati nella storia del loro tempo. Troviamo così esposti in mostra i lavori di Lawrence Abu Hamdan, Korakrit Arunanondchai & Alex Gvojic, Meriem Bennani, Ian Cheng, Elysia Crampton, Tamara Henderson e Kahlil Joseph, e Andreas Angelidakis.

“Archeologia invisibile” è il titolo della nuova mostra temporanea visitabile dal 13 marzo fino al 6 gennaio 2020.

Lo scopo dell’allestimento è illustrare principi, strumenti, esempi e risultati della meticolosa opera di ricomposizione di informazioni, dati e nozioni resa oggi possibile dall’applicazione delle scienze alla propria disciplina e, in particolare, allo studio dei reperti.
Cos’è in grado di raccontare un oggetto di sé? I nostri sensi ce ne restituiscono informazioni base come l’aspetto, la dimensione, la forma, il colore, finanche le tracce che l’uomo, la natura o il tempo vi hanno impresso. Eppure, tutto ciò non è evidentemente sufficiente a disvelare l’intera storia e il ciclo di vita.
L’archeometria – insieme delle tecniche adottate per studiare i materiali, i metodi di produzione e la storia conservativa dei reperti – rende possibile interrogare gli oggetti: grazie alla crescente interazione con le competenze della chimica, della fisica o della radiologia, il patrimonio materiale della collezione del Museo Egizio rivela di sé elementi e notizie altrimenti inaccessibili.
Un network di istituzioni da tutto il mondo che, tramite le nuove tecnologie, si pone al servizio del passato per rendere visibile ciò che è invisibile.

Ci siamo occupati della progettazione dei sistemi audiovisivi della mostra, cervando di minimizzare l’impatto visivo delle tecnologie mantenedo i più elevati standard di qualità e innovazione, l’uso di tecnologie Laser LED ci hanno permesso di ottenere un TCO contenuto mantenendo alti l’affidabilità e la stabilità qualitativa nel tempo. L’abbininamento di soluzioni di computer graphic a risoluzioni 4K, sono state visualizzate con display professionali di fascia alta con matrice IPS. Tutte le macchine utilizzate sono certificate per un utilizzo 24/7

Hanno collaborato con noi: Acuson, Robin Studio, Decor edile Regina

Luogo: Grand Hotel Miramare

E-Mail info: miramart@grandhotelmiramare.it

Dancing is what we make of falling è una mostra di video, che si susseguono, settimana dopo settimana, su uno stesso schermo.
I lavori di artisti di provenienze e generazioni diverse si sommano, in un racconto a più voci, e con più registri.
Sei appuntamenti serali (+1) scandiscono la mostra, presentando ogni settimana un nuovo video grazie agli interventi di ricercatori, artisti e collaboratori. Ogni evento vuole essere un’occasione di incontro e riflessione condivisa coi partecipanti, trasformando lo spazio di mostra in uno luogo di ritrovo e dibattito critico.

In un mondo che vede crescere a dismisura le disparità economiche e sociali, in cui si erigono muri fisici e metaforici per tenere l’Altro lontano dagli occhi, in cui ondate sempre più violente di “espulsioni” e rampanti rigurgiti di razzismo dominano lo scenario politico e sociale, il lavoro degli artisti rimane fondamentale, nella sua creazione di immaginario.

Il titolo della mostra prende in prestito un verso del poeta e ricercatore Fred Moten, e diventa una constatazione di quello che, in tempo di crisi, l’arte è chiamata a fare: trasformare la caduta in una danza. Sfidando le convenzioni e osservando il mondo contemporaneo dalla sua prospettiva allo stesso tempo privilegiata e periferica, l’arte si interroga sulle dinamiche che contribuiscono alla creazione di soggettività in un mondo neoliberista, mettendo in dubbio le sue certezze e offrendo una realtà alternativa a quella presente.

Durante ogni serata saranno realizzati, in collaborazione con Kabul Magazine, un podcast e una fanzine dedicata, contenente la traduzione di un saggio, inedito in italiano, che serva da materiale di ricerca e offra una ulteriore chiave di lettura dei video proiettati.
Come parte integrante del programma della mostra, il 30 settembre, le OGR ospiteranno minor matter della danzatrice e coreografa Ligia Lewis.
Durante le serate si susseguiranno interventi pensati appositamente per lo spazio da parte di una serie di artisti (Enrico Boccioletti, Dafne Boggeri, Benni Bosetto, Drifters, Ramona Ponzini & RPM Watts), e interventi da parte di una serie di curatori, attivisti, e ricercatori (Lucrezia Calabrò Visconti, Ilenia Caleo, Irene Dionisio e Nicoletta Vallorani) faranno da contraltare alle proiezioni. All’interno della programmazione, il 21 settembre, sarà inoltre ospitata una serata in collaborazione con Zell Revlon & Matteo Mizrahi per la realizzazione del loro secondo Ball.

• 13.09.2018 dalle ore 20.30
  Screening > Tracey Moffatt
  a seguire performance di Drifters You are just like my skin
  Interviene: Irene Dionisio

• 21.09.2018 dalle ore 18.00
  Screening > Jacolby Satterwhite
  a seguire The Dark Side Ball by Zell Revlon & Matteo Mizrahi
  Intervengono: Samuele Piazza & Valentina Lacinio

• 30.09.2018 dalle ore 18.00
  Performance di Ligia Lewis minor matter

• 05.10.2018 dalle ore 19.00
  Screening > Roee Rosen + Goldschmied & Chiari
  a seguire performance di Benni Bosetto Scaramazzi
  Interviene: Lucrezia Calabrò Visconti

• 12.10.2018 dalle ore 19.00
  Screening > Loretta Fahrenholz
  a seguire performance di Dafne Boggeri con TISANA (Adele H, Isamit Morales)
  Interviene: Nicoletta Vallorani
  Prenota qui.

• 15.10.2018 dalle ore 19.00
  Screening > Wu Tsang
  Intervengono: Samuele Piazza & Valentina Lacinio
  Prenota qui.

• 19.10.2018 dalle ore 19.00
  Screening > Hardeep Pandhal + Sonia Boyce
  a seguire performance di Ramona Ponzini & Rpm Watts + Enrico Boccioletti & Alessandro Di Pietro
  Interviene: Ilenia Caleo
  Prenota qui.

Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh, Hesam Rahmanian.
“Forgive me, distant wars, for bringing flowers home”
| Opening: 12 luglio 2018, ore 19.30 – 24.00 |
| Talk: 12 luglio 2018, ore 18.00 |

Binario 1
OGR – Officine Grandi Riparazioni

“Forgive me, distant wars, for bringing flowers home” – verso tratto dalla poesia Under One Small Star di Wislawa Szymborska – è il titolo scelto per la mostra di Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh e Hesam Rahmanian in programma alle OGR di Torino dal 12 luglio al 30 settembre 2018. Un percorso espositivo che cerca di dare una chiave di lettura alla pratica artistica di Ramin, Rokni ed Hesam, concentrandosi sulle loro metodologie di lavoro e sul processo di realizzazione e di comunicazione delle opere. Negli ultimi decenni, i tre artisti hanno condiviso una filosofia di vita che li ha condotti a una “creazione comune”, condizionata dalla relazione con le conoscenze e le capacità tecniche altrui, nella quale la pratica individuale e quella collettiva interagiscono. Dall’intreccio dei loro dialoghi con quelli di altri artisti, amici e collaboratori – tra cui il direttore di scena Joan Baixas, l’ingegnere robotico John Cole, l’artista di comunità Niyaz Azadikhah, e lo scrittore e produttore Mandana Mohit –  è emerso un linguaggio personale che ha permesso ai tre artisti di presentare, all’interno del proprio processo creativo, diversi livelli di contenuto e struttura.

Consapevoli che la loro pratica non comprende solo ciò che da loro è creato, ma anche i contributi degli altri individui con i quali si relazionano, Ramin, Rokni ed Hesam rifiutano il concetto dell’Artista Genio, preferendo riconoscere tutti i facenti parte del processo di realizzazione del lavoro – da altri artisti a falegnami, tecnici e light designer – come parte del processo di sviluppo di un ambiente condiviso e collaborativo determinante nella creazione di qualcosa di nuovo. Ad esempio, di una mostra. In altre parole, i partecipanti condividono metodi, modi di pensare e lavorare, costruendo di conseguenza una sensibilità altra che permette la creazione di qualcosa di nuovo.

Nella loro pratica collaborativa, gli artisti creano una serie di alter ego che permette loro di giocare con le identità individuali, lavorando con tematiche legate al linguaggio, allo spazio vuoto, al potere, alla trasformazione, all’appartenenza, al dislocamento, all’esilio, alla sofferenza e alla distruzione. Queste creature – così come gli artisti stessi le definiscono – vivono in video documentari sul loro processo creativo e in performance video, vere e proprie opere d’arte. Questi personaggi, antropomorfi, fito o zoomorfi, sono caratterizzati da un qualche tipo di limitazione sensoriale o motoria, considerata dagli artisti punto di partenza per affinare gli altri sensi. Piccole persone con nasi e orecchie da roditori, code da pesce o teste di lattuga diventano quindi protagoniste di un mondo fittizio che entra nella vita degli spettatori come performance live o installazione di opere create dalle creature stesse. Reinterpretando la pratica dell’objet trouvè, quando diventano creature e desiderano raccontare la loro storia, gli artisti selezionano una serie di oggetti quotidiani. Oggetti indossati, malconci o dimenticati sono reinventati in un mondo parallelo e connotati da nuovi significati. Nel loro materializzare un immaginario, nel loro riuso di oggetti abbandonati, le creature offrono una sottile, a volte opaca, lettura della società contemporanea.

La mostra non vuole essere una retrospettiva dell’opera degli artisti. Forgive me, distant wars, for bringing flowers home desidera essere una dimostrazione del come Ramin, Rokni ed Hesam sviluppino il loro senso eterogeneo di creazione, un racconto del lavoro da una prospettiva che ne osserva il meccanismo e ne esalta la filosofia basata sulla condivisione della realtà e l’inclusione degli altri.

— Estratto, riadattato in lingua italiana, dal testo curatoriale scritto da Abaseh Mirvali e Constanza Medina.

Un ampio progetto multimediale, che metterà in luce l’attrazione che il mondo del calcio esercita sulla moda e sulla costruzione dell’immaginario maschile, anticipando l’unione tra sartoriale e sportswear

Complesso Santa Maria Novella

un progetto di
Fondazione Pitti Immagine Discovery

a cura di 
Markus Ebner e Francesco Bonami

in occasione di
Pitti Immagine Uomo 94

promosso da
Centro di Firenze per la Moda Italiana e Pitti Immagine

realizzato grazie al contributo straordinario di
Ministero dello Sviluppo Economico e Agenzia ICE, nell’ambito del Piano Speciale 2018/19 a sostegno delle fiere del Made in Italy

con il patrocinio di
Comune di Firenze e Gallerie degli Uffizi

13 giugno – 22 luglio 2018
Complesso di Santa Maria Novella
Piazza della Stazione, 5 – Firenze
11:00 – 19:00 – Ingresso libero